Добрый день, дорогие читатели! С вами Wolfframe.
Этим постом я открываю новую и очень полезную рубрику “Обмен Опытом”.
Дело в том, что в сети я время от времени нахожу статьи от музыкантов, которые содержат их бесценный опыт и дельные рекомендации. Такие статьи, конечно, необходимо всячески распространять и рекомендовать к прочтению. Что я и делаю.
Одна из таких замечательных статей – “Мои 30 Советов Начинающим Музыкантам” от Андрея “M_Clis” Рыжкова – опытного звукорежиссера, ремиксера, диджея, композитора, промоутера, журналиста, специалиста по микшированию и мастерингу, а также тренера по Ableton Live. (Список деятельности далеко не полный).
M Clis любезно согласился поделится c нами светлой мудростью. =)
Чтож, давайте без лишних слов, вдумчиво и неторопливо прочтем его важные советы и сделаем соответствующие пометки в блокнотах. Тут есть что мотать на ус, гарантирую вам!
Андрей “М Cliss” Рыжков: “Мои 30 советов начинающим музыкантам”
1) Учите иностранные языки
Знание хотя бы одного европейского языка (английский, немецкий, французский) сократят время вашего освоения любого софта в разы и подарят независимость от действий волонтеров-переводчиков, которые иногда снисходят до перевода мануалов и прочей полезной литературы.
2) Не спешите
Для начала научитесь делать медленно, но хорошо, потом, отрабатывая навыки и тренируюя слух, можно научиться делать хорошо и быстро. К примеру, банальный субтрактивный синтез — посвятите пару дней рулежке самого обычного инструмента .
Попробуйте освоить каждый элемент управления, осознать, зачем он нужен; написать композицию, используя лишь этот прибор. Подобное можно повторить с любым устройством.
3) Забудьте слово preset/patch
Постарайтесь отказаться на этапе обучения от готовых настроек. Любую идею по саунддизайну старайтесь воплотить «с нуля». Тогда в вашей голове будут формироваться определенные «цепи» устройств, пресеты в вашей памяти. Удачные пресеты собственного производства сохраняйте — это ваши достижения, личные победы и, самое главное, ценные уроки.
4) Музыка важнее всего
Помните, в музыке самое главное — это МУЗЫКАЛЬНАЯ ИДЕЯ!
Ни железо, ни софт, ни сведение, ни мастеринг никогда не сделают хита из пустышки, лишенной идеи. Идея — это мелодия, это вокальный сэмпл, это хук (какая-либо ключевая партия, необязательно центральная мелодия).
Примеры удачных идей: Mr.Oizo — Flat Beat (бит/бас/сэмпл), Sebastien Leger & Chris Lake — Word (развитие/использование в кульминации гитары), Daft Punk — One More Time (цикличность композиции/запоминающийся вокал), Ee-Sma — Speak (выразительная ритм-секция/развитие), Golden Boy with Miss Kittin — Autopilot (Nachtfahrt — remix) (бас/эффекты), Adam K & Soha — Twilight (атмосфера/гармония) и так далее.
Зачастую идея в чистом виде может победить самый крутой продакшн и раскрутку, помните это.
5) Ограничивайте себя
Отличный способ добиться хорошего результата — ограничить себя в средствах. Например, можно отказаться от всех библиотек сэмплов или писать музыку только используя встроенные ресурсы хост-программы и т.п.
Когда вы используете СЛИШКОМ много плагинов/сэмплов (попробуйте посчитать, на сколько вы «накачали» с торрентов и прочих рапидшейров, думаю, на BMW может хватить), вы перестаете ценить то, что у вас УЖЕ есть изначально.
Лучше освоить один инструмент в совершенстве, чем 100 поверхностно (сравните себя с гитаристом или саксофонистом — они играют на одном инструменте десятилетиями, и многие все равно недовольны своей техникой)
(Весьма схожие взгляды на полезность ограничений я также высказал в статье “16 Эффективных Способов Заканчивать Треки” — примеч. Wolfframe)
6) Больше пойте и играйте
Музыка для человека всегда лучше, если она естественна. Если в самый тухлый хаус трек добавить живой вокал или, например, записать живую гитару, этот трек и сам «оживет».
Не бойтесь экспериментировать, иногда самый дешевый микрофон и фантазия могут сделать больше, чем самые дорогие синтезаторы и DAW. Опять же, придумать мелодию или какой-то мотив гораздо проще, если просто его напеть. Попробуйте напеть мелодию, применить melodyne и распознать таким образом ноты, если не можете снять со слуха. Так можно напеть почти все инструменты в композиции!
7) Темплейты и организация рабочего пространства
Старайтесь подготавливать весь рабочий материал так, чтобы вам было удобно им пользоваться.
Например, у меня есть папка с сэмплами. Часть из них рассортирована по разделам One-Shot, Loops, эти, в свою очередь рассортированны по категориям Drums, Basses, Synths и так далее, вплоть до сортировки бочек по типу и эффектов по длине. Конечно, это большая работа, но оно того стоит.
Что же касается темплейтов, то тут все индивидуально. Когда я записываю голос, у меня всегда будет темплейт с настроенным роутингом, который позволит вокалисту слышать себя (с эффектами, если он пожелает) и музыку, а мне будет легко «отрулить» баланс.
8 ) Главное – результат
Не важно, сэмплы вы используете, лупы, синтез или еще чего пострашнее) Главное — результат.
Музыка — это то, что слышит конечный потребитель, рядовой слушатель, а не то, за что можно получить недовольный смайлик от более опытного/прохаваного музыканта. На него тоже найдется управа, не думайте, что все, кто критикует вас, безупречны.
Если вы предпочитаете Nexus или Fruity Loops или работаете в ACID и у вас бытовые колонки, режете чужие треки или у вас нет понятия, как правильно сводить, вы не представляете себе, что такое дизеринг, или… НО ваш результат нравится окружающим вас смертным людям — вы молодец в любом случае.
Главное различие между вами и супер-мега-звездами — в количестве ваших поклонников, готовых платить за ваше творчество деньги. А чтобы его увеличить, придется поработать и над звуком, и над идеями и над всем остальным!
9) Ниша
Никогда не пытайтесь специально занять жанровую или стилистическую нишу, не пишите «под» кого-то, не пародируйте и не копируйте. Это можно (и нужно) делать в процессе обучения, но ваша музыка должна быть уникальной, или хотя бы должна стремиться к уникальности.
Многие удивляются, когда сделав отличную вариацию в стилистике и манере любимого исполнителя и отправив получившуюся работу на лейбл, где этот самый исполнитель издается, получают от ворот поворот. Именно потому, что такой саунд на лейбле УЖЕ есть, и лейбл ищет по-настоящему новых артистов. Задавайте тренды, изобретайте звук, и если он будет по-настоящему крутым, это оценят.
10) Слушайте, читайте, смотрите
Чем шире ваш кругозор, тем больше вы преуспеете в творчестве. Вдохновение при этом — не самое главное. Просто любые идеи, которые переработаются вашим разумом и творческим началом, могут дать абсолютно новое знание и понимание музыки.
Например, на меня сильно повлияло увлечение фантастикой и фэнтези, которое дало мне массу сюжетов и идей для композиций. Например текст песни “Miusha — I am lost girl”, где рассказывается о маленькой девочке, которая потерялась в лесу. Второй куплет поясняет, что она не просто потерялась, а прилетела на космическом корабле и потерялась в космосе. В третьем куплете она осознает, какой это ужасный и агрессивный мир, вспоминает, что кто-то уже рассказывал ей подобное, и решает этот мир уничтожить, чтобы он вместо нее потерялся. Ну как-то так… =) Никогда не знаешь, откуда придет твой новый трек!
11) Все всегда проще, чем вы думаете
Зачастую, когда на одну лишь бочку у вас стоит 10 различных insert-эффектов, и вы все равно недовольны результатом, проще всего отказаться от конкретно этой бочки в пользу другой.
И не надо доказывать, что «эта бочка самая правильная», или «у этой бочки неповторимая динамика» или что-то еще подобное. То же самое с басом, лидом и любым другим элементом вашей композиции.
Например, очень частая проблема — у бочки отличный панч (изначальная атака, удар), а хвост жиденький или попросту короткий. В этом случае проще найти взаимодополняющий сэмпл, немного похимичить с огибающими (прибрать хвост у «атакующей бочки» и прибрать атаку у «хвостатой») и просто сделать двуслойную бочку, которую будет удобно рулить.
То же самое с басом или любым другим элементом аранжировки.
12) Найдите «рабочую лошадку»
Всегда имейте под рукой инструмент, который вы знаете «на пять», и который достаточно звучит нейтрально и качественно.
Для меня это VemberAudio Surge и FabFilter ONE. Меня устраивают их звук, их ресурсоемкость, их гибкость и «юзабельность».
То есть если я хочу по-быстрому добавить конкретный элемент в свою аранжировку, я пользуюсь прежде всего ими. Потому что время, которое я мог бы потратить на поиск сэмпла/рулежку плохо изученного инструмента я могу потратить на совершенствование композиции в целом.
13) Стирайте, стирайте и еще раз стирайте
Этот совет проще всего сразу опробовать на практике — возьмите 4 дорожки (можно и больше), поставьте туда по одному лупу.
У вас получится «мясная» петля, с огромным количеством конфликтных частот, со странной ритмикой и без динамики.
Теперь возьмите «ластик» (или любой инструмент, который в вашем DAW выполняет его функцию) и попробуйте в малом разрешении (например 1/16) начать стирать части, с той логикой, чтобы в конкретный момент звучал только один луп за раз.
То есть получится некая хаотическая «шахматная» расстановка кусков лупов.
Попробуйте потом акцентировать несколько долей путем возврата дополнительных «слоев» в вашу «мегапетлю» (просто верните парочку удаленных кусков по вкусу). И теперь сравните с исходным вариантом.
Если вы все сделали правильно, у вас получится интересный и «дышащий» луп, который не будет забивать весь динамический диапазон, но при этом, будет «качать». Бочка, естественно, должна быть на отдельной дорожке и одна.
14) Вариации
Даже на самом раннем этапе создания композиции хорошо подумайте над вариациями ваших партий.
Drum Fills, брейки, автоматизация и модуляция баса, эффекты на вокал, различные замены звуков (играл один клэп, в брейкдауне/яме/дырке/зависалове другой) и даже банальный прием из поп-музыки, смена тональности, может сработать в качестве развития вашей идеи.
15) Динамика
Очень обидно, что многие не понимают, то это такое.
На самом деле все просто — упрощенно динамика это когда то громко, то тихо. То есть не ВСЕ ВРЕМЯ ДОЛБИТ, и не когда все время все тихо.
Это же и относится к громкости инструментов внутри композиции — отдельные элементы должны звучать значительно тише, чем, например, бочка или вокал.
В моем случае чаще всего соотношение громкостей получается таким — если бочку принять за 1, то бас будет примерно 1/2, хэт 1/3, лиды и вокальные партии 2/3, лупы 1/2, эффекты и прочий дополнительный контент 1/4.
Это очень грубые соотношения, и следует учитывать, что бочка изначально у меня всегда играет с громкостью -9/-6 дБ.
Таким образом в музыке сохраняется дыхание. другое дело, что в последнее время мне приходится «до одурения» жать на мастере, ибо таковы правила игры на рынке и лейблы хотят ГРОМКИЕ фонограммы…
1 комментарий. Оставить новый
спасибо, отличная статья